El sonido como inspiración artística

The Fabric Workshop and Museum presenta 'Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art', una exposición que explora y se relaciona con el sonido.

The Fabric Workshop and Museum (FWM) acaba de anunciar Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art, una exposición que presenta a 22 artistas que exploran y se relacionan con el sonido. Algunas obras de arte incorporan sonido real, mientras que otras alientan a los espectadores a confiar en sus propias experiencias y recuerdos de sonido para interpretar las obras. Comisariada por Alec Unkovic, la exposición estará abierta del 23 de junio de 2023 al 7 de enero de 2024.

Los artistas que forman parte de la exposición son: Terry Adkins, Janine Antoni, Moe Brooker, Nick Cave, Lenka Clayton, Kevin Cooley, Peter Edwards, Guillermo Galindo, Ann Hamilton, Christine Sun Kim, Phillip Andrew Lewis, Glenn Ligon, Thomas Mader , Jason Moran, Robert Morris, Stephen Petronio, Raúl Romero, Yinka Shonibare, Patrick Siler, Kiki Smith, Lenore Tawney y Mika Tajima.

A lo largo de la historia de FWM, los artistas en residencia han utilizado el sonido como elemento central o componente conceptual de sus residencias. Estos proyectos a menudo han explorado cómo ofrecer una traducción directa del sonido, capturar una representación indirecta de su energía y formas culturales, o inspirar una respuesta audible de una audiencia. Como sugiere el título de la exposición, las obras de arte presentadas demuestran la noción de una "presencia sónica", una conexión palpable entre lo visual y lo auditivo. Con obras de la colección del museo junto con una selección de obras prestadas, Sonic Presence invita a los visitantes a explorar los temas resonantes del sonido en las artes visuales, ya sea implícito, imaginado, ausente o realizado.

Como parte de residencias que a menudo se enfocan en la exploración de materiales, algunos artistas en FWM han recurrido a traducir visualmente la experiencia del sonido, la interpretación o sus reverberaciones culturales.

Para Yinka Shonibare, crear su escultura afrofuturista Space Walk (2002), que consiste en dos figuras de astronautas de tamaño natural suspendidas en el aire en la galería que sugiere la ingravidez del espacio sin sonido, implicó recorrer el vecindario South Street de Filadelfia en busca de discos de vinilo. La iconografía visual del movimiento Philly Sound de los años 70 y la entonces emergente artista local Jill Scott sirvieron como inspiración para cuatro diseños textiles de batik personalizados que visten a las figuras con la energía cultural de los artistas musicales negros. La noción de revestirse de sonido se explora aún más con Soundsuit de Nick Cave, con su vibrante armadura de animales disecados que se elevan sobre un par de coloridas piernas ceñidas, y con Cloud Garment de Lenore Tawney, en el que las partituras serigrafiadas y la evocación de la atmósfera la calma se fusionan para formar una prenda protectoramente serena.

En su impresión sobre seda de 2010, Listen with your eyes ttgg, el difunto artista de Filadelfia Moe Brooker, hijo de un predicador, invita a los espectadores a evocar los sonidos de su infancia en la iglesia a través de sus colores vivos y formas abstractas, mientras que la serigrafía Blaster de Patrick Siler de 1987 captura una escena de oyentes cautivados por un boombox clásico. Por el contrario, la escultura interactiva Spectre de Peter Edwards, que consiste en grupos de orbes iluminados que descienden del techo, responde visiblemente a los sonidos de los visitantes.

Los instrumentos actúan como un tema recurrente a lo largo de Sonic Presence como material y forma. La exposición incluye dos esculturas de la serie Aviarium de Terry Adkins, el último cuerpo de trabajo del difunto artista de Filadelfia, que traduce los vectores de onda de la vocalización de las aves a una escala monumental, utilizando platillos y varillas de aluminio para capturar el canto en una forma puramente escultórica. Las obras recientes de Jason Moran capturan vívidamente las huellas de una interpretación, con el artista explorando los residuos de la creación musical colocando papel sobre las teclas del piano y usando pigmento saturado.

El lugar se convierte en la inspiración de Sonic Border para el compositor y artista mexicano Guillermo Galindo, quien elaboró ​​instrumentos a partir de artículos desechados que contenían evidencia de la migración, que recopiló en sus viajes a lo largo de la frontera entre México y Estados Unidos. Junto con las grabaciones de la partitura original de Galindo, estos artefactos resuenan con la complejidad y las experiencias vividas de la inmigración.

Hace su debut The Sound of the Sea, un nuevo trabajo colaborativo de la ex artista en residencia Lenka Clayton con Phillip Andrew Lewis que explora el proceso de los artistas de Foley, que utilizan accesorios para recrear efectos de sonido cotidianos en películas, radio o televisión. ; para este trabajo, Clayton y Lewis han recopilado y recontextualizado objetos inesperados utilizados para crear el sonido del océano.

Skin Tight de Glenn Ligon, compuesta por ocho sacos de boxeo y papel tapiz gráfico, reflexiona sobre la noción de masculinidad negra y el cuerpo negro como sitio y objeto. Adornada con las imágenes de raperos como Ice Cube y textos de Muhammad Ali, la instalación confronta al visitante con el impacto y las implicaciones de la activación de un saco de boxeo.

Sonic Presence también explora la noción conceptual del sonido de la propia creación de una obra de arte. Durante su residencia en FWM, Mika Tajima comenzó su serie Negative Entropy, que consiste en retratos acústicos tejidos que actúan como imágenes de la condición de su producción; Habiendo grabado espacios industriales empleando telares Jacquard, el artista tradujo visualmente esas grabaciones en espectrogramas que luego se produjeron en diseños tejidos en Jacquard en algunos de esos mismos telares. En un trabajo anterior a su residencia en FWM, Box with the Sound of Its Own Making (1961) de Robert Morris presenta una caja de madera ordinaria que emite una grabación de su propia construcción, completa con aserrar y martillar, así como pausas y sonidos de actividad menos tradicionalmente asociada con el progreso.

La serie de dibujos en máquina de escribir de Lenka Clayton explora tanto la cacofonía como la ausencia a través de la creación de marcas. Harmony of the Spheres de Phillip Andrew Lewis y Kevin Cooley combina interpretación y reliquia. Su destrucción de mil discos de vinilo silenciosos inspiró numerosos trabajos, incluida una edición final de cien discos LP hechos completamente de las ruinas. Cuando se vuelven a prensar, los nuevos vinilos, disponibles para que los visitantes los escuchen, tienen inscritos los sonidos de la fábrica zumbando mientras trabaja para presionar el disco silencioso, así como los sonidos de la destrucción inicial de los discos cuando se arrojan contra la pared.

La exposición también explora la comunicación en sus innumerables formas: la obra de cuello de Ann Hamilton editada en 1993, Sin título, explora la relación entre el cuerpo y el lenguaje con un alfabeto tejido con crin de caballo. Más de una docena de ediciones de Singing Siren de Kiki Smith, un artista múltiple hecho con FWM, forman un coro en espera de criaturas mitológicas cuyo canto es a la vez seductor y mortal. Un prototipo de la obra Swallow de Janine Antoni y Stephen Petronio de 2016 ofrece asientos personalizados que generan conexión y diálogo.

Un trabajo de dos películas de Christine Sun Kim y Thomas Mader continúa el enfoque de la exposición en el sonido y la comunicación. En Tables and Windows, los artistas entrelazan sus cuerpos como un juego de improvisación colaborativa, trabajando juntos para negociar sus diferentes conjuntos de habilidades como hablantes nativos de lenguaje de señas americano (ASL) y aprendices de ASL. Otro trabajo en préstamo mira más allá de la comunicación humana. La instalación escultórica del artista de Filadelfia Raúl Romero Música para plantas, por plantas fusiona altavoces, escultura y una estación de escucha para explorar el papel de la planta de la escultura como receptora o creadora de frecuencias subsónicas. Con un humor inesperado, estas obras cuestionan las limitaciones percibidas del lenguaje y el sonido, invitando a los visitantes a unirse a los artistas en busca de su potencial sin explotar.

En conjunto, las obras de los 22 artistas en Sonic Presence ofrecen numerosas formas en que el arte contemporáneo puede comprometerse con ideas de sonido y ofrecer posibilidades para unir exploraciones entre lo visual y lo auditivo.

Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art está organizado por el ex gerente de exposiciones de FWM, Unkovic.

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